FRIDA KAHLO

Hace unos días, tuvimos una clase sobre el pintor Pablo Picasso, y nustro profesor nos invitó a hacer una entrada sobre este pintor u otro de nuestra elección. Por eso, he querido hacer una entrada de Frida Kahlo, ya que es una pintora que admiro desde hace tiempo, no solo por su arte si no como personaje histórico, y además hace alrededor de un año me leí su biografía, escrita por Rauda Jamis.

Voy a hacer unos pequeños esbozos sobre su vida y después pasaré a centrarme en tres de sus obras, mis favoritas.

Frida (1907-1954) fue una pintora de México, y su vida estuvo marcada por el dolor, ya que se sucedieron una serie de circunstancias que no la dejaron vivir en paz. En primer lugar contrajo poliomielitis y más adelante sufrió un accidente de coche. Esto le obligó a permanecer en cama durante largos periodos de tiempo, y así fue como comenzó a pintar. Lo que más abundaba entre sus obras eran autorretratos ya que lo único que podía ver era a si misma debido a un espejo colgado del techo de su habitación. Por eso día y noche se centraba en si misma y en su desgracia. Su obra se hizo famosa y atuvo reconocimiento internacional, pero ya después de su muerte, sobre todo en la década de los 70. A continuación algunas imágenes de su vida y de algunas de sus obras.

LA COLUMNA ROTA

Esta obra fue hecha en 1944 con óleos. Actualmente se conserva en el Museo Dolores Olmedo Patiño en Ciudad de México.

Lo que podemos ver es aun retrato de la autora desde la cabeza hasta debajo de la cadera, sin llevar nada en la parte de arriba. Tan solo muestra una columna jónica fracturada a modo de su columna vertebral y un corsé ortopédico. Por todo el cuerpo y rostro presenta clavos y le brotan lágrimas de dolor.

Esta obra fue pintada después de una operación en la columna debido al accidente que había sufrido, por lo que se interpreta como una representación de lo que vivía Frida en aquel momento; dolor, dentro del corsé que se veía obligada a llevar.

LAS DOS FRIDAS

recuperado de http://www.elcuadrodeldia.com/post/99121299123/frida-kahlo-las-dos-fridas-1939-%C3%B3leo-sobre

Este cuadro fue pintado en 1939, también en óleo. La obra sigue siendo un autorretrato, pero esta vez se representa dos veces, tomadas de la mano. La de la derecha lleva una falda verde y una camisa morasd¡¡da y marilla, en contraposición de la Frida de la izquierda, que va entera de blanco. Esto lo podemos explicar ya que acababa de vivir seis meses en París y Nueva York y al regresar a México, la tristeza le invadió, debido a su inminente divorcio con Diego Rivera, también pintor. Por eso, se veía como dos Fridas distintas. Los corazones al aire y uno desangrándose se puede deber al dolor por el fin de su matrimonio y también por el dolor físico.

LA CAMA VOLANDO, HENRY FORD HOSPITAL

recuperado de http://www.artehistoria.com/v2/obras/12200.htm

En este cuadro, Frida nos quiere mostrar su primer aborto. Se queda embarazada en 1932, a pesar de que los médicos dijeron que debido al accidente no podría ser madre. Frida está entusiasmada con la idea de tener un hijo, pero, sufre un aborto natural. Paso 13 días en el hospital Henry Ford y lo que sintió nos lo plasma en el cuadro.Vemos a Frida postrada en una cama, desnuda y con sangre bajo su cuerpo. De su barriga, todavía hinchada, salen seis "hilos" o cordones umbilicales conectados a diferentes objetos. Un caracol, que simboliza la lentitud del aborto; un feto, que simboliza a su hijo nonato; un modelo óseo que simboliza la causa del aborto, una orquídea símbolo de sexualidad para ella... Este es el cuadro que más me gusta de todas las obras de esta artista, en mi opinión te hace ver todo el sufrimiento que llevaba dentro, y te hace acercarte a ella y sentirte un poco como ella. Me gusta porque es un cuadro que te hace sentir, un cuadro que te transmite la angustia de la autora, un cuadro que te hace empatizar. Y con esta pequeña reflexión acabo la entra, espero que hayáis descubierto algo nuevo y os haya parecido interesante.

MI SER IMAGINARIO

Los días siguientes de clase las dedicamos a realizar en 3D un ser imaginario. Podíamos elegir uno de los dibujos ya hechos con las formas del cuadro, inspirarnos simplemente, o crear uno desde 0. En mi caso decidí inspirarme.
El primer paso fue dibujarlo para tener una guía y pintarlo con pinturas acrílicas. Lo realizamos en papel reciclado de tamaño A3. A continuación muestro el dibujo en el que me inspiré (ya publicado en la entrada anterior), el proceso y el resultado final.

El siguiente paso en la realización de mi ser fue llevarlo a las tres dimensiones. Para eso, nuestro profesor nos avisó para que llevaramos cartones, envases, juguetes... En resumen, cosas para reciclar. Y eso es lo que hice, lleve cartones y envases y también fundas de un móvil que está roto y por lo tanto no uso. Para la composición del ser imaginario use un cartón de zumo, otra de barritas de cereales, cartón, papel de periódico, un rollo de papel de cocina, dos fundas de móvil, tapones y para pegar todo cinta adhesiva y silicona caliente.
Una vez con todas las piezas montadas y pegadas, procedí a cubrirlas todas con papel de periódico y cola mezclada con agua, para unificar todo. Dejé sin cubrir las fundas del móvil, las cuales hacen de alas, por la parte de delante ya que quería aprovechar los dibujos de estas. Tampoco cubrí los tentáculos ya que están hechos de cartón e iban a absorber bien la pintura. Además, muchos al ser finos, al mojarlos se iban a deshacer. En la siguiente imagen vemos el resultado, tras las dos capas que le puse. Aunque había comenzado a pintar, se puede ver por casi toda la superficie el papel de periódico.

Ya solo quedaba pintar en este punto para terminar el ser imaginario. La verdad que no seguí los colores del dibujo inicial, si no que decidí improvisar y ponerle los colores que me pidiera. Para el cuerpo decidí hacer una degradación de rosa a distintos azules pasando por el morado. Los tentáculos los pinte de varios colores en orden; rojo, naranja, amarillo, verde, azul y morado. Por último los ojos los pinté de blanco y negro. En el último momento, justo antes de colgarlo (paso que explicaré a continuación), me di cuenta que los ojos no tenían expresividad alguna, por lo que decidí hacer en cada ojo un puntito blanco con tipex a modo de brillo, y me gustó bastante más el resultado. En las siguientes imágenes podemos ver el resultado aunque sin el brillo en los ojos, ya que desgraciadamente no me di cuenta de sacarle foto.

El muñeco ya esta hecho, pero nos queda un último paso; colgarlo en algún lugar de la facultad. El lugar elegido para mi ser imaginario fue en la planta -1 de la facultad, justo enfrente de la cafetería y debajo de las escaleras. Para colgarlo lo que hice fue atarle un hilo plástico entre las alas y el cuerpo (de modo que quedara un poco hacia abajo, simulando que mira) que salía hacia arriba y este atarlo a un clavo previamente clavado en un corcho pegado al "techo" de las escaleras. Aquí lo podemos ver ya colgado. También nos podemos fijar en estas fotos en el brillo del ojo.

Para finalizar esta entrada quiero decir que siempre me ha gustado y divertido hacer manualidades, y esta vez no ha sido la excepción. Me ha gustado tener que usar distintas técnicas, y aunque ya las conocía, creo que esta bien la posibilidad de que alguien que no tenga la opción de hacerlo,  ya que en nuestro futuro trabajo nos podrá venir muy bien.

ARTE CON PIEZAS

Esta entrada la voy a dedicar a explicar qué fue lo que hicimos en una clase de plástica con unas piezas o formas concretas que a continuación explicaré cómo las creamos o extraímos.

Comenzamos con la obra que se nos asignó a principio de curso, en mi caso La Danza de Jean Baptiste Carpeaux y de ahí, al igual que mis compañeros extraje 5 formas, usando papel de cebolla y así facilitando el calco. Después elegí tres de ellas y las pasé a una cartulina, obteniendo así el positivo y el negativo de las imágenes. Este fue el resultado:

El siguiente pasó fue realizar una serie de uniones para crear dibujos. Algunos de ellos fueron los siguientes:

TRANSPARENCIA:

SUPERPOSICIÓN:

TOQUE Y SUSTRACCIÓN:

UNIÓN:

DISTANCIAMIENTO:

¡¡SIGUIENTE PASO!! Ahora toca la parte, al menos para mí, más divertida. A partir de las composiciones que hemos trabajado tenemos que dibujar, darles vida, hacerlos nuestros dejando volar la imaginación. Para esto contábamos con una presentación proyecta en la pizarra donde nos iban saliendo diferentes imágenes y mediante las indicaciones del profesor teníamos que realizar diferentes procedimientos. La gracia de esto, para obligar a nuestra imaginación a trabajar mas que de costumbre era ir sacando los dibujos al azar. Y esto fueron algunos de mis dibujos tras ponerles expresiones, hacerlos robots... 

Y esto ha sido todo por esta entrada. Fueron unas sesiones muy divertidas, sobre todo la de los dibujos, ya que no estamos acostumbrados a usar la imaginación y con esta actividad nos vimos obligados a usarla.

CREANDO DESDE UNA FOTOGRAFÍA

En esta sesión voy a contar qué es lo que hicimos en la siguiente clase en el taller de plástica y los resultados que obtuve.

En esta ocasión, tuvimos que volver a realizar esquemas humanos (cabeza, tronco, cadera, extremidades...) mediante figuras geométricas. Pero con la peculiaridad de que esta vez nuestros modelos eran de carne y hueso. Es decir, nuestro profesor nos proyectó una serie de imágenes en las que salían personas posando en distintas posturas. Tampoco usamos el material habitual en nuestras clases hasta entonces (papel blanco), si no que utilizamos papel reciclado, por lo que tenía un color grisáceo, en tamaño A3. Por el resto, usamos lápices de diferentes durezas como siempre, al menos por ahora.

Pero no acabamos aquí. Ahora nos disponemos a utilizar más técnicas, y así conseguir como resultado un collage multitécnica. Así disponíamos de ceras manley, de pinturas, periódicos, propaganda,tijeras y pegamento. Es decir, que teníamos que completar nuestras copias del ser humano con nuestra propia creación. Podíamos pintar, recortar y pegar papeles...

Estos fueron mis cuatro resultados finales:

APRENDIENDO A DIBUJAR EL CUERPO HUMANO

En esta sesión, hemos realizado una serie de actividades o ejercicios para intentar controlar un poco más la técnica de dibujo del cuerpo humano. 

Así comenzamos intentando dibujar la estructura de una persona de pie y mirando al frente, es decir, de la manera más sencilla en la que una persona puede estar. Este fue mi resultado:

A continuación lo que hicimos fue más de lo mismo, es decir, dibujar la estructura humana. Pero esta vez las personas estaban en distintas posiciones y realizando distintas actividades. Este fue mi resultado:

Para finalizar, tuvimos que dibujar otras dos estructuras del cuerpo humano pero esta vez lo copiábamos en vez desde una imagen proyectada desde unos modelos en tres dimensiones. Y este fue el resultado que obtuve:

Para finalizar quiero decir que esta clase a mi parecer al menos, fue muy entretenida, ya que me gusta dibujar. Además, que nos centráramos en algo tan concreto como el cuerpo humano me pareció una buena idea ya que posiblemente si quisiéramos abarcar más hubiera sido demasiado y no hubiéramos sacado nada en claro. Además es algo que podremos usar en nuestra futura profesión como maestros, no solo en plástica, si no que nos servirá para explicaciones de cualquier asignatura.

COMENTANDO UNA IMAGEN PUBLICITARIA

MÉTODO MELIR - COMENTANDO UNA IMAGEN PUBLICITARIA

La  imagen que he escogido no es un anuncio como tal, si no que es la portada de una revista para celebrar o anunciar las 125 años de la revista VOGUE, que vemos a continuación:

Para hablar de la imagen escogida utilizaré el método Melir, el cual también iré explicando. Este método sirve para realizar una lectura exhaustiva de las imágenes y se conforma de varios pasos. Así encontramos el primer paso:

PASO 1: Averiguar la intención del autor

La intención que tiene el autor (en este caso la revista aunque haya un fotógrafo concreto) es la de informar como he dicho con anterioridad, los 125 años de la revista VOGUE, haciendo un homenaje a los lectores prototipos de la revista, algunas mujeres, alabando a la diversidad, de color de piel, rasgos, talla.... De ahí las frases que vemos, que traducidas al castellano y de arriba abajo significan: "¡LAS MUJERES MANDAN! Mujeres sin miedo a la moda" "LA REVOLUCIÓN DE LA BELLEZA. No normas es la nueva norma" "125 AÑOS DE VOGUE. La celebración empieza". O eso es lo que parece a simple vista pues como mencionaré más adelante no es así.

PASO 2: Preguntas clave:

1.¿Cómo me ha llegado esta imagen?

La primera vez que vi esta imagen fue en Twitter, y después la he visto en alguna página web de noticias y artículos. Es decir, la vía por la que he llegado hasta ella es Internet.

2.¿Qué estructura física alberga al producto visual?

Vemos una figura principal conformada por las mujeres en el centro y las frases están en la mitad baja de la imagen. Arriba tiene el nombre de la revista pero en segundo plano, ya que es tan conocida que solo con intuirla un poco se pude reconocer.

3.¿Cómo se ha construido la imagen?

Encontramos a 7 mujeres (modelos conocidas) de costado y abrazadas. Todas llevan una camiseta de media manga y cuello alto negro y pantalones cortos con distintos estampados. Están en la playa por lo que se encuentran descalzas y presentan el cabello recogido.

4.¿Es accesible y cuántas veces la he visto?

La verdad, que yo la he visto muchísimas veces, pero creo que se debe a mis hábitos y ambientes en redes sociales, ya que ha sido una imagen con mucha crítica social y me muevo en esos ambientes. Por lo tanto, suponiendo que tengas acceso a Internet y te muevas en las redes sociales o seas lector habitual de esta revista es accesible.

5. ¿Quienes son su autor o autores?

Es lógico pensar que tiene un autor concreto que es el fotógrafo o fotógrafa que ha realizado la foto, pero yo no he encontrado por ningún lado el nombre de esta persona. Así que podemos asumir que los autores son todo el equipo de Vogue.

PASO 3: ¿ES UNA IMAGEN METANARRATIVA O MICRONARRATIVA?

Es decir, la imagen ¿está hecho con la intencionalidad de que nuestra visión o conocimiento del mundo cambien o de que nosotros mismos hagamos una reflexión y como consecuencia un juicio?

En mi opinión, lo que quieren hacernos transmitir es que ellos apoyan la supuesta diversidad y quieren transmitirnos eso, es decir es una metanarrativa. No quieren que nosotros seamos los que hagamos la reflexión.

PASO 4: Da un nombre a tu error

El intento que han hecho para normalizar la diversidad, se ha quedado en eso, en un intento. Además, puede resultar incluso hirirente esta intención de tomadura de pelo.

En primer lugar, las tallas. Son siete modelos. Seis de ellas son normativas en cuanto a talla. No hay variedad. Solo una es modelo de tallas grandes y ¡sorpresa! es la única que se está tapando el muslo con el brazo. Ahora es cuando puedes pensar que ha sido casualidad, pero ciertamente es que te tienes que fijar muchísimo solo para darte cuenta de cual de ellas es la modelo de tallas grandeds.

En cuanto a la diversidad cultural, podemos ver a dos modelos negras y una asiática, pero, si te fijas en las facciones la historia cambia. Las tres, y el resto, tienen las facciones más occidentales que pueden haber. 

Es decir, no están mal estas modelos ya que absolutamente todos los cuerpos son válidos, pero la diversidad brilla por su ausencia, todas son modelos normativas. La revista quería mostrar una nueva faceta fresca, que dejaba atrás todo lo que las revistas de moda femenina han supuesto para estas. Pero no, se han quedado en la faceta antigua que somete a las mujeres y castiga todo lo que se salga del canon. 

PASO 5: ¿Me lo voy a creer?

No, no me lo voy a creer por las razones que he expuesto con anterioridad. Y quiero concluir volviendo a recalcar el daño que hace estas revistas a las mujeres, entre frases como "Quiérete a ti misma tal y como eres pero te presentamos la nueva dieta milagro" o avergonzando a famosas por cosas completamente normales y naturales como los pelos o la celulitis. Acabo invitandoos a reflexionar sobre este tema. 

DIBUJANDO UNA OBRA DE ARTE

DIBUJANDO UNA OBRA DE ARTE

Esta entrada no va a ser muy larga, solo es para enseñar lo que hice en una sesión de clase. La obra que he analizado en alguna entrada anterior es La Danza de Jean Baptiste Carpeaux, y por lo tanto es la obra que se me asignó para trabajar con ella a lo largo del curso. En esta sesión concreta lo que intentamos fue copiar la obra y este fue mi resultado:

La verdad que estoy contenta a medias. Es un buen resultado, al menos a mi parecer, pero está incompleto. Me gustaría acabarlo en cuanto tenga tiempo, porque además la obra según mis gustos personales es muy bonita

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